Estilo Renacentista

Estilo Renacentista (1400-1600)

El renacimiento corresponde al revivir de la economía y arte europeo que se encontraban deprimidos al final de la edad media, cuando la población se vió diezmada por efecto de la peste bubónica. Lo científico, lo social y lo político tomaron un nuevo rumbo y comenzó el auge de una nueva clase de comerciantes y banqueros que lograron un nivel económico más allá de las necesidades básicas, permitiendo así la apertura de una oferta de compra de artículos suntuarios. Entre estos bienes se encontraban los muebles y los artículos decorativos. La arquitectura incorporó formas provenientes de la cultura griega. Los arquitectos dejaron atrás las espirales góticas para adoptar formas simétricas elegantes. El movimiento renacentista se encontraba hacia 1425 centrado en la ciudad de Florencia, Italia. Allí arribaron materiales, como maderas nobles y en especial el algodón, permitiendo la fabricación de tapices finos. Los artistas como Michelangelo y Botticelli crearon sus trabajos de pintura más relevantes

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MUEBLES GÓTICO

Estilo Gótico (1200-1450)

Este movimiento artístico se desarrolló previo al Renacimiento y se cree que el nombre obedece a la relación con el estilo del pueblo Godo, de origen germánico. El estilo Gótico que conocemos se inició en Francia y luego se impuso en toda manifestación de arte europeo. Arquitectura, pintura, música y también los muebles son parte de las cosas que modeló el estilo Gótico. Cada país de Europa lo utilizó introduciendo pequeñas variaciones autóctonas. La arquitectura gótica se caracteriza por sus pilares largos y delgados que presentan un apariencia misteriosa y desolada. Para lograr estas características se requiere efectuar trabajos de gran calidad debido a la complejidad de sus formas.

LOS MUEBLES A TRAVÉS DE LA HISTORIA

Esta es una breve introducción a la historia del mueble a traves de las diferentes corrientes artisticas llegando asi hasta nuestros días.
en primer lugar debemos decir que:

La historia del mueble puede remontarse desde la aparición del homo sapiens, siendo primero la función y luego el objeto mueble. Los primeros muebles no fueron construcciones humanas, sino que eran elementos de la naturaleza que se empleaban como muebles, tales como piedras, troncos y demás objetos que fueran útiles en esta función

Más adelante en la historia del mueble, aparecen los primeros artefactos construidos por la mano del hombre, empleando la madera como material principal, por su disponibilidad y facilidad de manipulación.

En la historia del mueble se pueden distinguir dos etapas diferenciadas por la jerarquía que se le otorgaba. En un principio, el mueble era un objeto utilitario destinado a brindar comodidad. Posteriormente con la evolución, el hombre le otorgó al mueble el estatus de obra de arte, al emplearlo para resaltar la posición social y como símbolo de riqueza y poder.


Veremos a continuación algunas de las corrientes mas destacadas:

LOS CRÉDITOS

Algunas películas refuerzan la jerarquía de sus actores: Protagonista, secundario; antagonistas y demás personajes. En algunos casos se complementan los créditos con planos de los personajes en los créditos con planos de los personajes en los créditos en este caso se deslumbra la importancia del personaje dependiendo de la duración que este tenga en los créditos.
Los créditos por tanto, presentan un alto grado de evidencia, ya que se dirigen explícitamente al público.
En el periodo del cine mudo muchas películas se limitaban a presentar la secuencia de los créditos sobre pantallas negras o fondos de diseño estandarizado, por ejemplo telones, columnas o marcos. Algunas secuencias de créditos, no obstante utilizaban “títulos artísticos”, cuyos diseños representaban elementos narrativos relevantes a la historia.
Hacia 1920 este tipo de títulos eran de uso común los tipos de letra también podía indicar el periodo o localización de la historia, una práctica posiblemente influenciada de los programas de las obras de teatro y los libros ilustrados, la narración transmitida como tipografía.
El cine sonoro canonizó esta estilizada narrativización de la secuencia de créditos, asignándole una serie de funciones, los créditos pueden anticipar un motivo que aparecerá en la historia como tal.
Las imágenes de los títulos también pueden establecer el espacio de la acción que va a desarrollarse, a menudo los créditos hacen gala de la omnisciencia de la narración y nos asombran con retazos de la acción que va a desarrollarse.
En el periodo de la posguerra la apelación directa en las secuencias de los créditos también podía llevarse a cabo por medio de un narrador en voz over
En los años 50 los créditos se vieron desplazados en muchos casos a presentarse luego de una o dos secuencias iniciales de la película, esto debido al influjo de la técnica televisiva de presentar al espectador un avance de lo que iba a ver. Es por eso que el aplazamiento de los títulos de crédito garantiza de forma tácita la importancia de aquellas secuencias que abran la película. El diseño de créditos tiene una alta conciencia estilística, ya que señala el género.

NOTAS SOBRE LA DIRECCION DE ARTE II

Muchos elementos narrativos se justifican según su verosimilitud. En una película cuya acción se desarrolla en Londres del S. XIX, los decorados, la utilería, los vestidos, etc. Estarán por regla general motivados de forma realista. La motivación realista se extiende a lo que podemos considerar verosímil acerca de la acción narrativa.
Existen varios tipos de motivación que pueden unir sus fuerzas para justificar cualquier detalle de la narración, “El Flashback” podría estar motivado de forma compositiva (ofreciéndonos información esencial sobre la historia), realista, (surgiendo de la memoria del personaje) e intertextual (teniendo lugar en cierto tipo de película, como por ejemplo es el caso de “Melodrama de Mujeres” de los años 40”.
La motivación compositiva está respaldada por todos los principios de causalidad como los rasgos sicológicos, objetos, románticos etc. Estereotipos que están codificados culturalmente.

LA ESCENOGRAFÍA CLÁSICA

La importancia de los planos y los volúmenes a la hora de definir la profundidad escenográfica clásica hace que la perspectiva académica sea más bien excepcional. Desarrollada durante el renacimiento como una versión de la antigua perspectiva griega, la perspectiva griega, la perspectiva lineal central organiza los planos en torno al supuesto punto de vista de un observador monocular fijo. La impresión de profundidad resulta de la asunción de que las líneas paralelas que se alejan de la perspectiva del cuadro perecen juntarse en un único punto de fuga. Ahora está fuera de duda que aspectos como el diseño de decorados y la elaboración de efectos especiales, se basaron frecuentemente en los principios de la perspectiva lineal, pero las imágenes de Hollywood rara vez exhiben el punto de fuga central, suelos rayados, cuadros, etc. Elementos como relojes, calendarios etc. Pueden ser relevantes a la hora de situarnos en un espacio y tiempo en donde se desarrolla la historia.

Van Gogh "

Room at Arles"

La Imagen: desde un punto de vista histórico no obstante, la construcción clásica del espacio parece estar muy lejos de la arbitrariedad, ya que sintetiza muchas tradiciones que han dominado diversas artes occidentales.

Van Dyck

La pintura pos renacentista aportó un importante modelo.

Fotógrafos y directores invocan constantemente cuadros famosos como referencias, es el caso de

Van Dyck,

Corot,

Rubens,

Van Gogh

Corot "The Road to sevres"

Rubens

"Die Alte Mit Dem Kohlebcken"

A PROPÓSITO DEL DIRECTOR DE ARTE

Cuando se va a rodar la primera escena, los artistas, el director y los colaboradores entran en el plató (set) como en una casa nueva que huele todavía a pintura. Pero este mundo efímero no ha surgido allí por obra y gracia de un hada; es el trabajo de una persona que es la precursora de la realización: el Director de Arte.

Su labor comienza meses antes de que se filme la primera escena. Tiene que estudiar el guión, ponerse de acuerdo con el director de la futura película. Después rebusca combina, esboza decoraciones… ¡ha de hacer una verdadera obra de arte! Es decir, poner a rendimiento no solo su cultura y experiencia, sino también su buen gusto e imaginación.

Bueno la verdad es que la parte dejada a la imaginación es bastante reducida. El director de arte, (salvo en films determinados) debe ser realista, lograr una copia lo más fiel posible de la realidad. Dibuja las maquetas de los diversos decorados vistos bajo el ángulo en que los captará la cámara. Sometidos al director, este los discute o aprueba.

Después viene la ejecución de los proyectos, y aquí interviene un ejército de artistas y ejecutores anónimos que crean los cuadros y ambientes en que se desarrollará la acción de la película.

Claro está que el Director Arte no usa siempre materiales auténticos. El cine no pretende reproducir, sino dar la impresión de realidad. En el cine no es oro todo lo que reluce o parece oro. Aparte de la imposibilidad, hay otras razones de orden técnico, y es que la cámara aprecia de manera distinta que el ojo humano las materias que ella fotografía o capta. ¿Sabes por ejemplo, que el mármol verdadero aparece como falso en la pantalla y que el falso es más fotogénico, da más la impresión de ser auténtico?

“EN LOS ESTUDIOS NO SE CONSTRUYEN MÁS QUE APARIENCIAS”

PIMENOFF